Capítulo 13 Resumen—Español

Tradiciones occidentales en el arte

Lección 1: Los principios de las tradiciones del arte occidental
La civilización griega influyó mucho la cultura del Oeste de Europa. Templos como el Partenón fueron diseñados con proporciones armónicas, y las estatuas representaban el ideal griego del cuerpo perfecto. Los romanos conquistaron Grecia en el año 146 a.C. y combinaron la cultura griega con la cultura estrusca de Italia. Usaban el arco y el concreto para construir estructuras a gran escala. En vez de tallar formas humanas ideales como hicieron los griegos, los romanos creaban esculturas sumamente realistas. En el año 476 a.C., Roma fue conquistada por invasores del norte. Este suceso comenzó la Edad Media, que duró aproximadamente 1,000 años. La religión cristiana fue la influencia más importante durante esta época; por eso los monasterios y las iglesias fueron el centro de la producción artística. En la parte este del antiguo imperio romano, el arte bizantino presentaba colores vivos y figuras marcadamente perfiladas. En Europa Occidental las iglesias fueron construidas primero, según el estilo románico, eran de tamaño masivo con paredes sólidas y pesadas, un uso extensivo del arco de medio punto romano y muchas decoraciones esculturales. Más tarde durante la Edad Media, un nuevo estilo llamado gótico presentaba arcos punteados y vidrieras coloreadas en iglesias que parecían elevarse hacia el cielo.

Lección 2: Los principios de las tradiciones del arte moderno
A finales de la Edad Media en Europa, durante un período llamado el Renacimiento, los artistas “se despertaron” a las formas artísticas y a las ideas de la antigua Grecia y de Roma. Usando la perspectiva lineal, artistas italianos intentaban crear obras de arte realistas y vivas. La perspectiva lineal es un sistema gráfico que crea la ilusión de la profundidad y el volumen en una superficie plana. En el Norte de Europa, los artistas empezaron a usar la pintura al óleo. Esto facilitaba la representación de detalles intrincados de la ropa y del ambiente. A mediados del siglo dieciséis, un estilo artístico llamado el manierismo presentaba escenas muy emocionales y figuras alargadas. Este estilo fue en parte una respuesta al tumulto de la Reforma Protestante en el Norte de Europa, que causó que mucha gente dejara la Iglesia Católica. En el siglo diecisiete, la Iglesia empezó su propia reforma, conocida como la Contrareforma. En Italia esto llevó a un nuevo estilo artístico conocido como el barroco, que recalcaba la iluminación dramática, el movimiento y la intensidad emocional. Este estilo se caracteriza por el contraste y la variedad. En Holanda, protestantes holandeses no querían crear obras de arte religiosas; por eso representaban a gente y lugares comunes. A finales del siglo diecisiete, Francia se hizo la nación más poderosa de Europa y desarrolló su propio estilo artístico, el rococó. El estilo rococó presentaba el movimiento libre y grácil, un uso alegre de la línea y colores delicados. Pintores ingleses y españoles modificaron el estilo rococó para hacer sus propias afirmaciones.

Lección 3: El siglo diecinueve
Durante el siglo diecinueve, los artistas abandonaron el rococó y el barroco por estilos que reflejaban preocupaciones contemporáneas. Algunos artistas europeos crearon el neoclasicimo, que adoptaba temas y calidades de diseño de Grecia y de Roma. Otros artistas crearon el Romanticismo, que representaba temas dramáticas y culturas foráneas a Europa. Algunos artistas se descontentaron con estos dos estilos, pensando que debían representar asuntos políticos, sociales y morales sin glorificar ni el pasado ni el presente. Estos artistas crearon el realismo, que presentaba escenas familiares como realmente se veían. La invención de la fotografía a mediados del siglo diecinueve introdujo al arte un nuevo tipo de realismo. Un creciente interés en el mundo fuera del estudio llevó entonces al impresionismo, que representaba temas de la vida diaria y recalcaba los efectos momentáneos de la luz sobre el color. Mientras los impresionistas rompían las formas sólidas y hacían borrosas las líneas en su obras, otros artistas conocidos como los postimpresionistas adoptaban aproximaciones a la pintura más individuales. Algunos se fijaban en representar las formas que veían en la naturaleza, mientras otros, como Vincent Van Gogh, usaban líneas torcidas, colores vivos y texturas complejas para comunicar sus sentimientos.

Lección 4: Los principios del siglo veinte
Durante la primera parte del siglo veinte, las influencias artísticas se difundían rápidamente. Algunos artistas cambiaron sus propios estilos varias veces durante sus carreras. En Europa los artistas normalmente tomaban uno de tres rumbos: la autoexpresión, la composición o la imaginación. En Alemania los artistas crearon el expresionismo para comunicar sus sentimientos sobre terribles condiciones económicas y sociales. El expresionismo es un estilo que recalcaba la expresión de los sentimientos más íntimos. En Francia los artistas inventaron el cubismo, que recalcaba la estructura y el diseño. El cubismo fue basado en tres influencias principales: las formas geométricas, los descubrimientos científicos y el arte de otras culturas. Un tercer grupo de artistas tomaba los sueños, la fantasía y el subconsciente como inspiración para el surrealismo. En América del Norte, los artistas respondían a los estilos europeos y creaban sus propios estilos. Los artistas de principios del siglo veinte en los Estados Unidos representaban el realismo duro de la ciudad. Artistas posteriores creaban piezas asociadas con la industria moderna y usaban la tecnología nueva para construir esculturas innovadoras. Los móviles son esculturas movedoras formadas con alambre y láminas de metal en un arreglo equilibrado que se mantiene en movimiento. Otros artistas, conocidos como los regionalistas, decidieron fijarse solamente en temas americanos y presentarlos de una manera optimista. Artistas de descendencia africana en los Estados Unidos y artistas en México representaban las luchas de su gente con estilos llamativos.

Lección 5: El arte después de 1945
La ciudad de Nueva York se hizo el centro del mundo artístico después del fin de la Segunda Guerra Mundial. Desde entonces, se han desarrollado varias aproximaciones nuevas al arte, así como muchos estilos y muchas técnicas. El primer estilo nuevo que surgió de Nueva York fue el expresionismo abstracto, que recalcaba los elementos abstractos del arte así como las emociones. Artistas posteriores representaban imágenes de la cultura popular con una variedad de formas artísticas, conocidas como el arte pop, y creaban ilusiones ópticas con el arte op. El arte op usa conocimientos científicos sobra la visión para crear ilusiones ópticas del movimiento. Algunos artistas experimentaban con la pintura de campos de color, fijándose en la sensación pura del color al utilizar solamente campos planos de color. Los artistas que buscaban la simplicidad absoluta en sus obras crearon el minimalismo, que usa un mínimo de los elementos del arte. Mientras la mayoría de estos movimientos producían obras abstractas, otros artistas volvieron al realismo y crearon el superrealismo. El superrealismo representa los objetos del modo más preciso y exacto posible, según cómo aparecen en la realidad. Algunas obras superrealistas son tan exactas que se pueden confundir con fotografías. En la arquitectura, el Estilo Internacional causó la creación de edificios sencillos y adustos. Muchos artistas actuales trabajan en el estilo del posmodernismo. El posmodernismo incorpora elementos y técnicas tradicionales mientras conserva algunas características de los estilos y movimientos del arte moderno. Nadie está seguro de qué pasará en el futuro del mundo del arte, pero la diversidad de ideas refleja la diversidad de nuestras vidas.